Archivo de la categoría: CONCIERTOS

Ciclo de entrevistas con músicos del Sodre

La Orquesta Sinfónica del Sodre comenzó un ciclo de entrevistas que buscan mostrar una cara distinta. De la mano de los artistas e integrantes el ciclo, «Tu Sinfónica Nacional», cuenta sobre los comienzos en el mundo de la música, sus roles dentro de la orquesta y anécdotas que permitirán conocerlos mejor y disfrutar fragmentos de obras de su agrado.

Daniel Lasca, violinista de la orquesta, fue quien abrió el ciclo contándonos su historia y dejando una interpretación de un fragmento de la obra «Soliloquio» del compositor uruguayo Antonio Mastriogiovanni.

El ciclo comenzó el pasado 18 de junio con Daniel Lasca (Concertino), continúa mañana con Lucía Rojo (violonchelo) y seguirá con: Germán Crovetto (Corno), Olga Bertinat (flauta), Guillermo Matschulat (percusión), Fabián Pietrafesa (clarinete / clarón), Elizabeth Szilagyi (viola), Mauro Sagarra (oboe), César Roig (trombón), Cecilia Riera (violín), Alejandro Vega (trompeta), Mike Hinkediker (percusión), Leticia Benia (fagot), Jorge Pi (contrabajo) y las áreas de gerencia, coordinación, utilería y archivo.

Las distintas historias e interpretaciones quedarán disponibles semana a semana en el facebook de la Orquesta Sinfónica del Sodre

Coro de Cámara Zahir

Desde el domingo 12 de julio, a las 17, el Coro de Cámara Zahir que dirige Diego Boero participa del 8° Ciclo de Conciertos de San Ildefonso 2020 – Edición virtual que, en el contexto de la pandemia por el COVID-19, se transmite online a través del Canal YouTube Ciclo San Ildefonso, en el enlace: https://bit.ly/2NXZYrO

Forman parte del video del concierto, preparado especialmente para esta ocasión a partir de piezas grabadas en vivo en ediciones anteriores del ciclo, las siguientes obras: Die Nachtigall, de Felix Mendelssohn; The blue bird, de Charles Stanford; Se equivocó la paloma, de Carlos Guastavino; Cries of London N°6 de Luciano Berio; Credo (de la Misa para doble coro), de Frank Martin; Ich bin das Brot des Lebens, de Wolfran Buchenberg; O Magnum Mysterium, de Morten Lauridsen; Lux Nova de Eric Whitacre e Inmortal Bach, de Knud Nystedt.

Daniela Liebman al piano desde Yamaha Artists Service NYC

Estreno 9 de agosto
https://youtu.be/4oiSakPDBhE

ARG/URU 21:00
BOL/CHL/PAR 20:00
COL/ECU 19:00

La pianista mexicana Daniela Liebman (2002) se ha establecido rápidamente como una de las jóvenes figuras más prominentes en el pianismo internacional, merced a su elocuencia, equilibrio y matices. Desde su debut a los ocho años con la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Daniela ha actuado con más de veinticinco orquestas en cuatro continentes. En este recital ofrece un recorrido por tres personificaciones fundamentales del piano en la Historia de la música: Mozart, Mendelssohn y Chopin.

La carrera de la joven pianista mexicana se está estableciendo a pasos agigantados como una de las más fulgurantes y prometedoras de buena parte del continente americano. En la temporada 2019/2020 Liebman se presentó como solista junto a orquestas de la talla de Flagstaff Symphony Orchestra, Hartford Symphony Orchestra, Minas Gerais Philharmonic Orchestra, Massapequa Philharmonic y con la Orquesta Filarmónica de Jalisco y Ontario Philharmonic Orchestra. Además, fue solista con la Siberian State Symphony Orchestra en un tour por México. Los recitales de Daniela más recientes incluyen el Festival Ravinia, el Beaches Fine Arts Series de Florida, Del Mar College en Texas o en Long Island, Nueva York. En temporadas anteriores ha actuado con la Filarmónica de Boca del Río, Corpus Christi Symphony Orchestra, la Orquesta Sinfónica Nacional de Ecuador, Orlando Philharmonic Orchestra, Boca Ratón Festival of the Arts Orchestra, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Orquesta Festival de la Ciudad de Guatemala, entre otros.

En México, Daniela ha aparecido con la Orquesta Sinfónica Nacional, la Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica de Michoacán, la Orquesta Sinfónica de Zapopan, la Orquesta Sinfónica de Sinaloa de las Artes y la Orquesta Sinfónica de Fladamex. Debutó en el Palacio de Bellas Artes de México en 2013, interpretando a Shostakovich y Mozart en dos ocasiones separadas con la Orquesta de la Cámara de Bellas Artes. Ese mismo año hizo su debut en el Carnegie Hall Stern Auditorium/Perelman Stage acompañada por la Park Avenue Chamber Symphony para interpretar el segundo concierto para piano de Shostakovich. Daniela ha dado recitales en La Jolla Music Society; el Centro Kennedy; en la serie de recitales del mediodía Tri-I en la Universidad Rockefeller; en la ciudad de Guatemala; Joinville y Porto Alegre en Brasil; León, Durango, San Cristóbal de las Casas, Cuernavaca y Ciudad de México en México; el Brevard Music Center de Valparaíso, Chile; el Salón de Virtuosi en Nueva York; en Córdoba, Argentina; en la serie Tri-C del Museo de Arte Moderno de Cleveland o en el Centro Kravis de Artes Escénicas, entre otros.

Daniela fue ponente especial en la Conferencia de México de la Universidad de Harvard en 2018. Lanzó su álbum debut Homónimo en junio de 2018 con gran éxito de la crítica, que incluye la Balada Mexicana de Ponce. Desde su lanzamiento, la grabación de Balada Mexicana de Ponce ha sido reproducida en más de 1.200.000 ocasiones en Spotify. En 2016 y 2017 fue nombrada una de las «40 mexicanas más creativas del mundo» por Forbes México. En 2018 fue nombrada nuevamente como una de las «100 mujeres más creativas y poderosas» por dicha revista. Daniela ganó el primer premio en el Concurso de Conciertos Piano Texas 2017, el Concurso Russian International Music Piano Competition 2012 en California y la Noche en Madrid 2011 en la capital de España. En 2013 fue seleccionada para participar en el Campamento de Música Junior de Lang Lang en Múnich. Recibió el Premio Nacional de la Juventud 2014 en México. Actualmente estudia con Tamás Ungár en Fort Worth, Texas. Daniela es Artista Internacional Yamaha y Warner Classic Artist.

En este recital interpreta tres composiciones de sendos referentes del piano en la Historia de la música occidental: Sonata para piano en si bemol mayor, KV 333, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791); Fantasía para piano en fa sostenido menor, Op. 28, de Felix Mendelssohn (1809-1847); y Balada n.º 3 en la bemol mayor, Op. 47, de Fryderyk Chopin (1810-1849).

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Ensamble de Cámara del Nuevo Romanticismo

Nueva Música de las Américas
Ensamble de Cámara del Nuevo Romanticismo

Estreno 7 de agosto
https://youtu.be/7D_xnQXnBgo

ARG/URU 21:00
BOL/CHL/PAR 20:00
COL/ECU 19:00

El presente concierto surge como resultado de un proyecto colaborativo planteado entre el compositor Mauricio Charbonnier, director del Ensamble de Cámara Nuevo Romanticismo, y su colega Leonardo Le San, multipremiado compositor y pianista radicado en EE.UU.. Como objetivo primordial e inicial estaba el divulgar piezas de música académica originadas en Argentina y en América del Norte creadas por autores de la talla de Piazzolla, Guastavino y Ginastera, situando en medio de estos dos extremos geográficos obras de otros compositores actuales de la región. El primer concierto de New Music of the Americas se realizó en Argentina en octubre de 2019. En los próximos años otros países de América serán elegidos como sede, para dar lugar a la continuidad de las acciones que han sido planean por sus directores, realizando estrenos de nuevas obras y sumándole la participación de intérpretes locales, así como la adhesión de compositores de otras regiones de Latinoamérica.

La idea que impulsa este proyecto es brindar conciertos que vinculen la gran tradición musical del pasado con la música actual, integrada por creaciones recientes e inéditas. Esto se relaciona con el estilo neoromántico de Charbonnier, quien propone un retorno al lirismo musical y la recuperación de las formas que cimentan la tradición de la música en Occidente, tanto como con las obras de Le San, quien encuentra influencias en compositores de distintos periodos históricos, desde Bach y Beethoven hasta Prokofiev, Piazzolla y Bernstein, pasando por la música tradicional colombiana, el tango y estilos del jazz estadounidense.

Radicado en Buenos Aires, el pianista, compositor y director argentino Mauricio Charbonnier es creador de un catálogo musical que integra obras de cámara, vocales y orquestales, muchas de ellas estrenadas en Latinoamérica y Europa. Su estilo compositivo se vincula con la gran tradición académica del Romanticismo. Como director del Ensamble de Cámara Nuevo Romanticismo, en 2019 presentó el proyecto Nueva Música de las Américas junto al compositor Leonardo Le San, en un concierto inaugural que fue grabado en octubre en Buenos Aires. De su autoría se incluyó su célebre y mundialmente interpretado Nocturno «Los Pájaros Negros» en una particular versión para trío con piano y bandoneón, además de su ciclo Canciones Sagradas, tríptico de canciones sacras para soprano y piano con texto de su autoría.

Originario de Colombia y residente en Philadelphia, el multipremiado pianista y compositor Leonardo Le San visitó argentina en octubre de 2019, invitado para cerrar una serie de conciertos de música de cámara. Junto al Ensamble del Nuevo Romanticismo interpretó algunas de sus galardonadas composiciones. De su autoría se interpretan aquí su Tango Impromptus n.os 1 y 2, que integra la suite The Voices of My Town, una pieza de expresión fuerte y extrovertida refleja las influencias regionales de Le San. Otra obra que integró el programa fue la canción de cámara «Blessed are the Poor», premiada en 2019 con el primer puesto en el Golden Key de Viena y cuyo texto está dedicado a los refugiados en el mundo, víctimas de la guerra y la injusticia. Sus influencias aquí provienen del repertorio vocal de Schubert y de la armonía del jazz. La parte innovadora radica en la elección de una nueva instrumentación para la obra en versión quinteto: «Encontré en el bandoneón un instrumento profundo para conectar la música con el texto sombrío, triste y lírico que contiene la pieza». Completan programa: Oblivion, de Astor Piazzolla (1921-1992), «El clavel del aire blanco», de Carlos Guastavino (1912-2000) y «Triste», de Alberto Ginastera (1916-1986).

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Frans Helmerson & Cuarteto Ébène interpretan a Schubert


Festival de Verbier

Estreno 24 de julio

https://youtu.be/Rry0BMx2fq0
ARG/URU 21:00
BOL/PAR 20:00
COL/ECU 19:00

Grabado en el Festival Verbier, en su edición de 2013, este programa presenta al violonchelista sueco Frans Helmerson uniendo fuerzas con el Cuarteto Ébène para interpretar el Quinteto de cuerda en do mayor, Op. posth. 163, D 956 del austríaco Franz Schubert. Completado solo dos meses antes de su muerte, este quinteto de cuerda es una de las mejores obras de cámara del compositor vienés. Gracias a la sutil inteligencia y el conocimiento de estos músicos sobre el estilo de Schubert, su interpretación de esta obra maestra conserva las dinámicas altamente contrastantes de la partitura y le aporta fuerza y una increíble tensión dramática.

Franz Schubert (1797-1828), compositor austríaco a menudo considerado el último gran representante del «estilo clásico» vienés que llevaron a su máximo esplendor Haydn, Mozart y el primer Beethoven. Como compositor fue uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música. El lied para Concierto | Festival de Verbier Frans Helmerson & Cuarteto Ébène interpretan a Schubert canto y piano, uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Hugo Wolf y Gustav Mahler. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante sus años de formación musical con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista. El único campo que podía reportar grandes beneficios a un compositor de la época era la ópera, y aunque fue un género que abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, no logró destacar en él.

El 2 de octubre de 1828 Schubert escribió al editor de música de Leipzig, Heinrich Albert Probst, informándole: «Entre otras cosas […] he completado un Quinteto para 2 violines, 1 viola y 2 violoncelos. Si alguna de estas composiciones es quizás adecuada para usted, avíseme». Seis semanas después, Schubert estaba muerto a la edad de treinta y un años, sin haber visto nada de aquella producción musical milagrosa impresa. La edición de Heine apareció en mayo de 1829, cuando fueron incluidas algunas de aquellas obras en una colección reunida por el editor vienés Tobias Haslinger bajo el título de Schwanengesang [Canto del cisne]. En cuanto a este quinteto de cuerda, quizá la obra de cámara de Schubert más inquietantemente hermosa, quedó en el olvido hasta 1850, cuando el famoso Cuarteto Hellmesberger se ocupó de su causa tres años antes de que finalmente apareciera impresa. Al agregar un segundo violonchelo al cuarteto de cuerda habitual, en lugar de una segunda viola –como en los grandes quintetos de Mozart y Beethoven–, Schubert estaba siguiendo el ejemplo de las muchas obras de Luigi Boccherini con plantillas similares. Lo que Schubert quería hacer, por otro lado, era explotar el sonido cálido de los violonchelos combinados, como lo hace en el memorable segundo tema del movimiento de apertura y en uno de los episodios del final. Usa el segundo violonchelo para crear texturas densas y variadas. Su Quinteto en do mayor es una obra de ambigüedad emocional, en la que la luz y la sombra, la serenidad y el drama están presentes en alternancia constante. Benjamin Britten sugirió una vez que «los dieciocho meses más ricos y productivos de la Historia de la música fueron el período en que Schubert escribió Winterreise, la Sinfonía en do mayor, sus últimas tres sonatas para piano, el Quinteto de cuerda en do mayor, así como una docena de otras piezas gloriosas». Aunque al final de su vida logró un gran avance en las formas a gran escala que no se había visto desde Beethoven, este quinteto se parece más a la música de un joven que a la declaración sumaria de una vida; existe una ambición juvenil que no es diferente a la de los primeros cuartetos de cuerda de Beethoven. Sin duda, la obra es uno de los puntos culminantes en el canon de la música de cámara universal y un ejemplo significativo del legado del compositor.

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J.S. Bach: Magnificat



Coro y Orquesta Barroca de Ámsterdam
Ton Koopman

Estreno 18 de julio
https://youtu.be/LSghXlB0gnwARG/URU 21:00
BOL/PAR 20:00
COL/ECU 19:00

La figura de Johann Sebastian Bach se ha ganado un puesto a la cabeza de la Historia de la música gracias a creaciones absolutamente intemporales, que hoy día siguen siendo más reverenciadas incluso que cuando se interpretaron en vida del autor. Pocas composiciones sacras hay de la calidad de su Magníficat, BWV 243. Una de las composiciones religiosas más interpretadas de todos los tiempos, que llega aquí de la mano de quien en una de las referencias a la hora de interpretar su obra: el director, clavecinista, organista y musicólogo holandés Ton Koopman. Junto a un cuarteto vocal formado por Deborah York [soprano], Bogna Bartosz [contralto], Jörg Dürmüller [tenor] y Klaus Mertens [bajo], así como a sus inseparables Coro & Orquesta Barrocos de Ámsterdam, interpretan esta maravilla de la creación desde el festival que la ciudad de Leipzig le dedica anualmente al genial compositor alemán.

Se interpreta aquí la una de las grandes obras sacras de J.S. Bach: su Magnificat en re mayor, BWV 243, una de sus pocas obras de carácter religioso en latín. Los compositores siempre han encontrado en este alegre texto una rica inspiración, y el escenario creado por Bach es una de sus mejores obras corales. Bach evidentemente estaba decidido a causar el mayor impacto posible cuando asumió el cargo de Thomaskantor en Leipzig, el 30 de mayo de 1723. Para el primer gran día festivo de su mandato, la visitación de María el 2 de julio, compuso una obra en mi bemol mayor sobre el jubiloso texto del Magnificat, utilizando las fuerzas más lujosas que tenía a su disposición para mostrar el esplendor completo de su arte. Para una repetición el 25 de diciembre de 1723 interpoló cuatro obras navideñas. En algún momento a finales de 1720 o principios de 1730 revisó el Magnificat, omitiendo las interpolaciones de Navidad, trasponiéndolo a re mayor –tonalidad más sencilla para las trompetas– y reemplazando el par de flautas. Esta versión revisada para cinco solistas, coro a cinco partes y orquesta es probablemente su obra coral más interpretada –dejando a un lado sus dos enormes pasiones–, y los es por buenas razones: es notablemente concisa –como requieren las limitaciones para el servicio de vísperas–, con coros poderosamente concentrados y arias de enorme colorido, combinando un atractivo melódico inmediato con la grandeza sonora y arquitectónica de su concepción.

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Royal Albert Hall de Londres irá a la quiebra el próximo año


El emblemático Royal Albert Hall de Londres irá a la quiebra alrededor de marzo del 2021 si no recibe ayuda financiera urgente, según ha admitido el director ejecutivo del teatro, Craig Hassall.
De  informa iNews y recoge el NME, el teatro no sobrevivirá para celebrar su 150 aniversario en marzo de 2021 si no recibe fondos de manera urgente que ayuden a mantener su viabilidad hasta una futura reapertura. Según informa iNews y recoge el NME, el teatro no sobrevivirá para celebrar su 150 aniversario en marzo de 2021 si no recibe fondos de manera urgente que ayuden a mantener su viabilidad hasta una futura reapertura.
El recinto de West London, ha perdido unos 12 millones de libras (13,3 millones de euros) durante los más de cien días que lleva cerrado por culpa de la pandemia del coronavirus.

Concierto de música argentina Marcela Roggeri


Estreno 9 de julio
https://youtu.be/dg05HQyZxaQ
ARG/URU 21:00
BOL/PAR 20:00
COL/ECU 19:00

La música popular ha dejado, a lo largo de la Historia, un reguero de influencias notables en la música occidental. La música de corte clásico en Argentina no ha sido una excepción en dicha influencia, cómo se puede observar de manera muy clara en este recital a cargo de la pianista argentina Marcela Roggeri, afincada actualmente en Londres, desde donde se grabó esta selección de composiciones. Han sido muchos los autores que han tomado temas populares, no estrictamente para usarlos como citas, sino también para inspirarse en ellos sobre sus futuras composiciones.

 De la gran tradición argentina del piano, Marcela Roggeri posee buena parte de las cualidades, además de esa pasión latinoamericana que marca la diferencia. Nacida en Buenos Aires, Roggeri estudió con Ana Gelber y con Bruno Leonardo Gelber. De la cultura de su tierra heredó igualmente un temperamento nómada. A los 23 años partió a Europa [Alemania, Italia y Francia] para una primera serie de conciertos en dúo con Gelber, decidiendo después instalarse en París, donde va a seguir su formación con Germaine Dévèze, alumna de la gran Marguerite Long. Ha tocado bajo la dirección de algunos de los grandes maestros del panorama y ha actuado junto a orquestas de enorme categoría mundial. Varios de sus proyectos traducen su compromiso personal con acciones artísticas humanitarias en Brasil y Argentina donde realiza de modo regular conciertos y masterclasses a favor de asociaciones que luchan contra la pobreza. La crítica ve en ella «la más francesa de las pianistas argentinas». En enero de 2006 recibió, en Francia, el galardón de Revelación Internacional del año en los Victoires de la Musique Classique, que la consagró ante el gran público. La discografía de Roggeri incluye a Satie, Scarlatti, Soler, Gubaidulina, Copland, Guastavino y Piazzolla entre otros.

Sinopsis:

C. Guastavino: Bailecito;
A. Ginastera: Danzas argentinas
A. Ramírez: Estudios para piano sobre ritmos y formas de la tradición musical argentina
A. Piazzolla: Milonga del Ángel
P. Aguirre: Aguas verdes
J. Calandrelli: Solitude, Gato.
Londres. 2020.

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Primeras presentaciones en vivo de la Royal Opera House desde marzo

El sábado 27 de junio a las 7:30 p.m. BST tendrá lugar el tercero de la serie de conciertos Live from Covent Garden transmitidos en vivo desde la Royal Opera House en Covent Garden. Una celebración de ballet y ópera especialmente curada, los conciertos Live from Covent Garden son las primeras presentaciones en vivo de la Royal Opera House desde que el edificio cerró sus puertas al público el 17 de marzo.

El concierto de este sábado será organizado por Katie Derham de la BBC y el Director de Música de The Royal Opera, Antonio Pappano, y se desarrollará detrás de escena.

El programa presenta destacados musicales como Concierto de Bach para dos violines en re menor, que será interpretado por los maestros de concierto Vasko Vassilev y Sergey Levitin (violines) y Patrick Milne (clavecín), así como el trío de piano de Mendelssohn en re menor interpretado por Vasko Vassilev (violín), Christopher Vanderspar (violonchelo ) y Antonio Pappano (piano).

Jette Parker Los jóvenes artistas Andrés Presno, Filipe Manu, Masabane Cecilia Rangwanasha, Stephanie Wake-Edwards, Patrick Milne, Edmund Whitehead y Link Artist Blaise Malaba interpretarán extractos de óperas como Handel’s Hercules, Rossini’s L’Italiana in Algeri, Donizetti’s L’elisir d ‘amore, La Wally de Catalani, La bohème de Leoncavallo, La tabernera del Puerto de Sorazabal y Porgy and Bess de Gershwin.

Primeros solistas del Royal Ballet Fumi Kaneko y Reece Clarke interpretarán el lírico pas de deux central del Concierto de Kenneth MacMillan. Creado en 1966, Concerto está configurado para el Concierto para piano n. ° 2 de Shostakovich en F. Esta será la primera vez que Kaneko y Clarke interpreten este dúo juntos y estarán acompañados por la pianista del Royal Ballet Kate Shipway junto con solistas de la Orquesta de La Royal Opera House.

El director Matthew Ball y el primer solista Mayara Magri interpretarán un pas de deux de Christopher Wheeldon’s dentro de la hora dorada del asociado artístico del Royal Ballet. Creado por primera vez para el Ballet de San Francisco, Within the Golden Hour ha sido parte del repertorio de The Royal Ballet desde 2016 y la Compañía lo realizó por última vez como parte de la temporada 2018/19.

El concierto del sábado 27 de junio estará disponible para ver en vivo y bajo demanda durante 14 días a través del sitio web de Royal Opera House por £ 4.99 por hogar.

Reapertura del Ciclo ITALIA XXI

ITALIA XXI anuncia la reapertura de su ciclo con el concierto de la cantante italiana Tosca,
vía streaming live.
¡MAÑANA DOMINGO 21 DE JUNIO DE 2020! 
18 hs. local de Argentina.El concierto podrá apreciarse en forma gratuita en las redes sociales del Teatro Coliseo y distintas instituciones italianas.Facebook: FacebookLive
YouTube: YouTubeLive
     Instagram: InstagramLive      Festa Della Musica: Tosca | Italia XXIBuenos Aires, junio 2020. En el marco de la Festa della Musica, – una celebración internacional que se celebra el 21 de junio en las principales ciudades de Europa, en donde músicos profesionales y aficionados tocan en las calles y diferentes escenarios gratuitamente -, el ciclo ITALIA XXI presenta a la famosa cantante italiana Tosca vía streaming, en un evento cultural  que une a Argentina e Italia aún en pandemia. Un hito que representa la reapertura del ciclo, el cual se vio abruptamente interrumpido en el marco de un contexto mundial excepcional.
El reinicio de ITALIA XXI, pone nuevamente en valor la misión del teatro, su compromiso con la comunidad de artistas, y su audiencia fiel. Una nueva aventura digital, para ser vista desde cualquier rincón del planeta, signo de los tiempos presentes. Este momento singular necesita de acciones singulares. ITALIA XXI da así un fuerte mensaje de vitalidad y compromiso, demostrando la capacidad de reorganización y reconversión de sus organizadores y auspiciantes.


En este sentido, toma aún mayor valor el esfuerzo conjunto que el Teatro Coliseo y el Istituto Italiano di Cultura de Buenos Aires, curadores y productores de ITALIAXXI,  emprenden junto otras instituciones italianas , – la Embajada de Italia en Argentina, el Consulado General de Italia en Buenos Aires, el Consulado General de Italia en Córdoba, el Istituto Italiano di Cultura de Córdoba, y el Ente Italiano del Turismo Italiano –  para dar vida a un evento para un público más amplio que el habitual, que agrupa a toda la comunidad italiana y a todo el público argentino. 
El concierto de Tosca será anticipado por un encuentro con los principales representantes de las instituciones involucradas:Giuseppe Manzo, Embajador de Italia en Argentina.Marco Petacco, Cónsul General de Italia en Buenos Aires.Tiberio Schmidlin, Cónsul General de Italia en Córdoba.Donatella Cannova, Directora del Istituto Italiano di Cultura en Buenos Aires.Elisabetta Riva, Directora del Teatro Coliseo.