El Maestro Facundo Agudin acaba de lanzar un nuevo CD. Se trata de “Generación Cortázar”, que propone tres obras orquestales creadas alrededor de la obra de Julio Cortázar. Este disco abre la serie “Music & Words”, que posteriormente estará consagrado a otros escritores, y que será producida por el sello español IBS Classics.
Las composiciones son de Marcelo Nisinman, Pablo Ortiz y Julio Viera, interpretadas por la orquesta suiza Musique des Lumières, bajo la batuta del Maestro Agudin.
El Teatro Bolshói de Moscú recibirá este mes 5 representaciones de La Bohème de Puccini, entre el 10 y el 14 de febrero, en las que Plácido Domingovolverá a subirse al podio como responsable de la dirección musical. Será en las funciones de los días 12 y 14, alternándose la batuta con Anton Grishanin.
Domingo dirigió esta ópera por primera vez en el Metropolitan de Nueva York, en 1984 y debutó como director en el Teatro Bolshói el pasado mes de octubre con Manon Lescaut. Esta será su segunda vez en el foso del teatro en menos de seis meses, como apunta un comunicado emitido por el Bolshói, que también le ha invitado a participar en Don Carlo y La Traviata.
La producción cuenta con las voces de Svetlana Lachina, Aida Garifullina y Bekhzod Davronov en una producción firmada por Jean-Romain Vesperini.
· Se ofrecerán cuatro sesiones los días 22, 23 (en sesión doble) y 24 de enero con un programa que incluye las coreografías Kaash (Akram Khan), The Prom (Lorena Nogal), In memoriam (Sidi Larbi Cherkaoui) y Whim(Alexander Ekman).
· Dos de los trabajos que se presentan en el Real, The Prom y Whim, han sido creados específicamente para IT Dansa y estrenados en el Festival Grec de Barcelona.
· El programa ofrece, a través de cuatro miradas distintas, reflexiones sobre el tiempo en la vida del ser humano, desde la memoria al desarrollo vital del individuo.
· Las representaciones previstas para el día 23 han modificado su horario para adaptarse a la nueva normativa de movilidad de la Comunidad de Madrid, por lo que tendrán lugar a las 17.00 y a las 20.00 horas. Las de los días 22 y 24 se mantienen como estaba previsto, a las 19.30 y a las 18.00 horas, respectivamente.
· Estas funciones reemplazan las inicialmente previstas con el Real Ballet de Flandes, que no ha podido viajar desde Amberes debido a la situación generada por la pandemia.
Madrid, 19 de enero de 2021.- Los próximos días 22, 23 y 24 de enero, la compañía IT Dansa, dirigida por Catharine Allard, se presentará en el Teatro Real para interpretar cuatro coreografías de jóvenes creadores, con diferentes personalidades y conceptos, cuyos nombres ocupan ya un lugar, por derecho propio, en el mundo de la danza: Kaash(Akram Khan), The Prom (Lorena Nogal), In memoriam (Sidi Larbi Cherkaoui) y Whim (Alexander Ekman).
Debido a las nuevas restricciones de movilidad implantadas en la Comunidad de Madrid, se han modificado los horarios de las funciones del sábado 23 de enero, que tendrán lugar a las 17.00 y a las 20.00 horas. Se mantienen las citas previstas para el estreno, viernes 22, a las 19.30 horas, y la del domingo 24, a las 18.00 horas. El espectáculo se desarrollará íntegro y sin descanso, salvo las breves pausas necesarias entre cada coreografía.
IT Dansa es un proyecto pedagógico creado en 1996 por el Instituto del Teatro de la Diputación de Barcelona, como curso de posgrado para el perfeccionamiento de formación de jóvenes bailarines y bailarinas. La compañía, Integrada por un máximo de 18 bailarines, ha estrenado coreografías tanto de autores noveles como de reconocidos creadores, consiguiendo un repertorio muy diverso que demuestra que la danza contemporánea vive un momento creativo apasionante, con una redefinición constante de sus códigos expresivos y un enriquecedor acercamiento a otros lenguajes artísticos.
Akram Khan creó Kaash como una meditación, como una evocación al origen del mundo inspirada en los dioses hindúes y en sus ciclos del tiempo. En ella entrelaza el lenguaje de la danza contemporánea y el de la danza clásica india Kathak, a través de giros vertiginosos, movimientos rotundos y una gran gestualidad con los que lleva a los bailarines a representar la vida y la muerte, la destrucción dolorosa y el renacer, la Creación.
La coreografía se desarrolla al ritmo del latido de la partitura de Nitin Sawhney, concebida especialmente para esta obra, y enmarcada en el diseño escénico de Anish Kapoor, construyendo un todo indisoluble que lleva al espectador a fundirse con los bailarines y la fuerza telúrica del universo. Desde su estreno en 2002, Kaash supuso el primer gran reconocimiento internacional de Akram Khan.
Lorena Nogal, formada como bailarina en el Instituto del Teatro de Barcelona y en la compañía IT Dansa, realiza con The Prom un dibujo dinámico, colorido y humorístico de un baile de graduación al cual se resiste a asistir. Una aversión a las fiestas, que retrata con benevolencia y superándose a sí misma, a través de encuentros joviales. Una mirada joven para una compañía joven, llena de detalles e ingenio que demuestran el talento de esta premiada bailarina y coreógrafa. IT Dansa representa por primera vez esta obra en julio de 2018, en el marco del Festival Grec de Barcelona, y la convierte en parte de su repertorio.
Desde el recuerdo de los que ya no están, casi como un homenaje, una oda, un rescate del olvido, nace esta coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui, In Memoriam. Inspiradaen sus antepasados, en un momento de pérdida de varios miembros de su familia, el creador belga reflexiona sobre quienes somos y en que nos convertimos; la irrealidad del recuerdo los vuelve presentes en la ausencia y nos ayuda a comprendernos. Esta dualidad se manifiesta en una danza casi ritual, donde los bailarines realizan un juego de polarización, de atracción y repulsión, de lo que está y ya no está.
Cherkaoui crea esta pieza en 2004 contando con la colaboración musical de A Filetta, formación vocal de origen corso, cuyas interpretaciones y composiciones están inspiradas en la tradición oral de la isla francesa, en cantos sagrados o profanos, en las raíces de su cultura, lo que reafirma esta idea de conexión entre el presente y el pasado que es el germen de esta coreografía.
Cierra el programa Whim, coreografía del sueco Alexander Ekman, responsable también del vestuario, quien, sobre una ecléctica selección musical que camina desde Vivaldi a Nina Simone, y en estrecha colaboración con It Dansa, hace un retrato de las emociones del ser humano. En un espacio atemporal los bailarines describen el devenir de cualquiera de nosotros, entre la alegría y la amargura, la preocupación, el equilibrio, el cansancio… movimientos de la danza contemporánea más actual, con ritmos rápidos, transiciones inteligentes y un brillante sentido del humor.
Whim es, según Ekman, “divertido, pero no realmente divertido… triste, pero no realmente triste… agradable, pero no realmente agradable”. La mejor forma de cerrar una gran noche de danza.
El domingo 24 de enero a las 20 se realizará este esperado show en Ciudad Cultural Konex. “Creemos que venir al patio del Konex es una experiencia segura. Es necesario no perder el foco en lo importante que es seguir cuidándonos”, dijo Noel Yolis, gerente de Programación y Contenidos, al portal de noticias Infobae.
“Hay que darle espacio a la lírica y darles la oportunidad a los cantantes, después de un año tan difícil, que se reencuentren con el público.”, dice Noel Yolis, gerente de Programación y Contenidos de Ciudad Cultural Konex, sobre Lírica en el patio, espectáculo que se llevará a cabo el domingo 24 de enero a las 20 horas.
“Muchos artistas durante el 2021 no pudieron hacer sus shows habituales ni tocar en sus espacios ni encontrarse con el público y muchos de esos espacios siguen cerrados e imposibilitados por el contexto. Entonces, tener la posibilidad de programar en el patio del Konex, que permite aplicar todos los protocolos, nos parecía que era una buena posibilidad de abrirnos a otras géneros”, agrega en diálogo con Infobae Cultura.
Participan del show los cantantes Marina Silva, Jaquelina Livieri, Daniela Tabernig, Fabiola Masino, Oriana Favaro, Alejandra Malvino, Hernán Iturralde, Leonardo Estevez, Dario Schmunck y Duilio Smiriglia. Además, el pianista Matías Chapiro. Autorizan 300 espectadores.
En Seguimos con vos, el Ballet Nacional del Sodre ofrece una serie de microcreaciones con la danza a solo como protagonista, en la que bailarines del ballet nacional uruguayo interpretan algunas creaciones, bien propias, bien de otros coreógrafos, con música de diversas épocas, intentando acercar el bello arte del ballet a todos los espectadores en tiempos tan difíciles de teatros vacíos. Las microobras presentadas son las siguientes: Intros [coreografía y bailarín: Luiz Santiago; música: Johann Sebastian Bach]; Bolero [coreografía y bailarina: Alejandra Martínez; música: Osvaldo Farrés]; Giselle [coreografía: Jules Perrot; adaptación: Igor Yerba; bailarina: Paula Penachio]; Díptico [coreografía y bailarín: Ignacio Lombardo; música: Franz Schubert]; Gopak [coreografía: Rotislav Zakharov; adaptación y bailarín: Ciro Tamayo]; Trena [coreografía: Jorge Ferreira; bailarinas: Lara Delfino y Gabriela Flecha; música: Antonio Vivaldi]; El cascanueces [coreografía: Marius Petipa; bailarina: Deise Mendonça; música: Piotr Ilich Tchaikovsky].
Desde junio de 2010 hasta diciembre de 2017, bajo la dirección artística del reconocido Mtro. Julio Bocca, la compañía, ahora denominada Ballet Nacional del Sodre [BNS], sufre la mayor transformación de toda su historia. Un nuevo equipo se hace cargo de la gestión y se refunda la compañía, abriéndose una nueva etapa que llega hasta nuestros días. La incorporación de Bocca como director artístico provocó un profundo y dinámico proceso de refundación del elenco nacional, abriendo sus puertas a la región y al mundo tanto en la integración de sus componentes como en la elección de los maestros, coreógrafos y bailarines invitados, reiniciando una paulatina y segura incorporación de la compañía en un sendero de excelencia ya acorde a estos tiempos y en un nivel internacional. Se dio comienzo a una gestión moderna y dinámica de una compañía que retomó una antigua tradición de vincular su trabajo al de importantes figuras del mundo de la danza, elevando así la exigencia, la excelencia y el desafío para tornar esta disciplina artística, cada día más accesible a mayores y más heterogéneos auditorios, ávidos de reencontrarse con el placer de poder presenciar y apreciar un excelente espectáculo de gran porte como es el ballet. A partir de febrero de 2018, el Maestro Igor Yebra asume la dirección artística con el claro objetivo de continuar por esa senda ascendente.
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www.allegrohd.com 2 Destacados de programación Diciembre 2020 Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven CONCIERTO | Concierto para piano n.º 1, de Ludwig van Beethoven – Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de Berlín – Redifusión viernes 4 – Pág. 4 CONCIERTO | Maestros del pianismo – Elisabeth Leonskaja interpreta sonatas para piano n.os 30, 31 & 32, de Ludwig van Beethoven – Redifusión viernes 4 – Pág. 6 CONCIERTO | Sinfonía n.º 5, de Gustav Mahler – Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado – Estreno sábado 5 – Pág. 8 Ciclo Beethoven 250.º aniversario ÓPERA | Fidelio, ópera en dos actos de Ludwig van Beethoven [Teatro de St. Gallen] – Redifusión domingo 6 – Pág. 10 BALLET | Ballet Nacional del Sodre: seguimos con vos – Estreno domingo 6 – Pág. 12 Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven CONCIERTO | Seiji Ozawa & Orquesta Saito Kinen en el Matsumoto Festival: Sinfonías n.os 2 & 7, de Ludwig van Beethoven – Redifusión viernes 11 – Pág. 14 CONCIERTO | Concierto para violín de Ludwig van Beethoven – Nikolaj Znaider, Orquesta de la Gewandhaus & Riccardo Chailly – Redifusión viernes 11 – Pág. 16 CONCIERTO | Sinfonía n.º 8, «Inacabada», de Franz Schubert – Orquesta del Festival de Budapest & Iván Fischer – Estreno sábado 12 – Pág. 18 Ciclo Ópera en el cine ÓPERA | La bohème, ópera en cuatro actos de Giacomo Puccini – Una película de Robert Dornhelm – Estreno domingo 13 – Pág. 20 Ciclo Beethoven 250.º aniversario DOCUMENTAL | ¿Un mundo sin Beethoven? – Un documental de Martin Roddewig, con Sarah Willis – Estreno jueves 17 – Pág. 22 Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven CONCIERTO | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig van Beethoven – Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado – Redifusión viernes 18 – Pág. 24 CONCIERTO | Vladimir Jurowski dirige Beethoven – Orquesta del Siglo de las Luces – Redifusión viernes 18 – Pág. 26 Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 3 Ciclo Beethoven 250.º aniversario CONCIERTO | Filarmónica de Oslo & Arvid Engegård – Sinfonía n.º 6, «Pastoral», de Ludwig van Beethoven – Estreno sábado 19 – Pág. 28 Ciclo Ópera en el cine ÓPERA | La traviata, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – Una película de Franco Zeffirelli – Estreno domingo 20 – Pág. 30 CONCIERTO | Lang Lang en Versalles – Obras de Chopin & Tchaikovsky – Estreno jueves 24 – Pág. 32 Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven CONCIERTO | Concierto para piano n.º 3, de Ludwig van Beethoven – Martin Helmchen, Orquesta de París & Christoph von Dohnányi – Redifusión viernes 25 – Pág. 34 CONCIERTO | Ludwig van Beethoven: Missa Solemnis – Christian Thielemann & Orquesta Estatal de Dresde – Redifusión viernes 25 – Pág. 36 CONCIERTO | Conciertos de Brandemburgo, de Johann Sebastian Bach – Claudio Abbado dirige la Orquesta Mozart – Estreno sábado 26 – Pág. 38 ÓPERA | Suor Angelica, ópera en un acto de Giacomo Puccini [Lírica Lado B] – Estreno domingo 27 – Pág. 40 CONCIERTO | Andrea Bocelli en Central Park – Estreno jueves 31 – Pág. 42 Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 4 Una de los magníficos conciertos del genial compositor de Bonn, que llega en versión de uno de sus máximos especialistas. • Género: concierto, música clásica, música romántica, orquesta, piano. • Intérpretes: Daniel Barenboim [piano]. • Director: Daniel Barenboim. • Orquesta: Orquesta Estatal de Berlín. • Año: 2015. • Lugar: Jahrhunderthalle, Bochum. • Duración: 37 minutos. El corpus compositivo de Ludwig van Beethoven (1770-1827) está adornado de auténticas joyas. En prácticamente todos los géneros descolló entre sus contemporáneos. Por supuesto, el género del concierto no le fue a la zaga, destacando especialmente el piano, su propio instrumento, como solista. A través de sus cinco conciertos se observa el paso del Clasicismo al Romanticismo como pocas veces se ha vislumbrado de forma tan clara. Daniel Barenboim, al frente de la que ha sido la orquesta de su vida, la Estatal de Berlín, toca y dirige este Primer concierto, ofreciendo una versión de imponente calidad interpretativa. Beethoven fue uno de los grandes compositores del Romanticismo europeo, cuyos primeros logros como compositor e intérprete muestran una extensión de la tradición clásica vienesa que había heredado de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven Concierto | Concierto para piano n.º 1, de Ludwig van Beethoven Orquesta Estatal de Berlín & Daniel Barenboim Redifusión viernes 4 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 5 Franz Joseph Haydn. Su atormentada vida, tanto en el terreno de la salud –con una sordera que le acarreó serios problemas– como en el de las relaciones, se representaba en su creación y su figura se alzó más grande, si cabe, gracias a su capacidad para plasmar todo su mundo interior en su magnífica obra. Comenzó a componer en un estilo musical cada vez más individual, creando al final de su vida sus obras más sublimes y profundas. Su gran éxito reside quizá en la combinación de la tradición con la exploración y la expresión personal, llegando a ser considerado como la figura musical dominante del siglo XIX. Por el respeto que a sus obras han demostrado prácticamente la totalidad de compositores de primer nivel, así como por la popularidad que estas han tenido entre el gran público y los mejores intérpretes, es sin duda alguna, junto a Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart, el compositor más admirado en la historia de la música occidental. Hacia mediados de la década de 1790, la fama de Beethoven se había difundido más allá de Viena, pudiendo realizar giras de conciertos a otros países como intérprete de piano, una actividad que desarrolló de manera muy intensa al menos hasta que su fama como compositor eclipsó completamente la de pianista. Ejecutó su Concierto para piano n.º 1 en do mayor, Op. 15 en Praga, en 1798, aunque el concierto está datado dos años antes. Su Primer concierto no fue, en realidad, su primera obra de este tipo. Su Concierto n.º 2 en si bemol fue compuesto con anterioridad, pero el concierto en do mayor fue publicado en primer lugar y, por tanto, aparece como primero en la numeración de sus cinco conciertos. Beethoven intentó mantener el denominado Primer concierto para su uso particular y no permitió su publicación hasta
Para entonces, ya empezaba a dejar su carrera como solista y quería dedicarse más en exclusiva a la de compositor. El modelo de Beethoven aquí es claramente «mozartiano». Curiosamente, Mozart se había convertido –irónicamente, recién después de su muerte– en el orgullo de Viena, por lo que el competidor más poderoso de Beethoven era un recuerdo. De los conciertos de piano de Mozart, Beethoven tomó sus conceptos de oposición equilibrada entre solista y orquesta, la claridad de formas y el virtuosismo del teclado destinado a hacer sobresalir al solista. Este Concierto n.º 1 fue el último en el que Beethoven se apegó a sus modelos. Beethoven consideraba que «no pertenecía a sus mejores obras del género» y reclamaba la indulgencia de sus colegas y del público. Sin embargo, llama la atención su madurez, su frescura inventiva y su vigor. Se trata, en realidad, del tercer intento del compositor en este género, que siguió a un concierto en mi bemol mayor que nunca llegó a publicarse y del publicado como n.º 2. Al igual que sucede con aquel, se observa aquí la asimilación por parte de Beethoven de los estilos de Mozart y Haydn principalmente, lo cual no resulta extraño tratándose ambos de los principales exponentes del género en las últimas décadas del siglo XVIII. No obstante, el autor alemán añadió algunas de sus principales características estructurales, así como en lo relativo a la textura, lenguaje armónico y expresividad tan personales y únicos de Beethoven. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00737_Ludwig_van_Beethoven_Concierto_para_piano_1_Orquesta_E statal_de_Berlín_Daniel_Barenboim_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00737_Ludwig_van_Beethoven_Concierto_para_piano_1_Orquesta_E statal_de_Berlín_Daniel_Barenboim_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00737_Ludwig_van_Beethoven_Concierto_para_piano_1_Orquesta_E statal_de_Berlín_Daniel_Barenboim_3.jpg Concierto | Concierto para piano n.º 1, de Ludwig van Beethoven Orquesta Estatal de Berlín & Daniel Barenboim Redifusión viernes 4 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu Sinopsis: Ludwig van Beethoven: Concierto para piano n.º 1 en do mayor, Op. 15. Orquesta Estatal de Berlín | Daniel Barenboim. Jahrhunderthalle, Bochum. 2015. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 6 La pianista georgiana, una de las grandes figuras del pianismo de las últimas décadas, ofrece el testamento pianístico del genial compositor de Bonn. • Género: concierto, música clásica, música romántica, piano. • Intérprete: Elisabeth Leonskaja. • Año: 2018. • Lugar: Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa. • Duración: 67 minutos. Desde hace décadas, Elisabeth Leonskaja se encuentra entre los pianistas más célebres de nuestro tiempo. En un mundo dominado por los medios de comunicación, Leonskaja se ha mantenido fiel a sí misma y a su música, y al hacerlo, sigue los pasos de los grandes músicos rusos de la era soviética, como David Oistrakh, Sviatoslav Richter y Emil Gilels, que nunca dudaron en enfocarse en la quintaesencia de la música a pesar de trabajar en un entorno político muy difícil. Su modestia, casi legendaria, todavía la hace un poco tímida con los medios de comunicación hoy día. Sin embargo, tan pronto como sale al escenario, el público puede sentir la fuerza detrás del hecho de que la música es y siempre ha sido el trabajo de su vida. Aquí se puede vislumbrar con absoluta claridad su grandeza, interpretando, desde la magnífica Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa, el testamento pianístico de Ludwig van Beethoven (1770-1827): sus tres últimas sonatas. Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven Concierto | Maestros del pianismo: Elisabeth Leonskaja Sonatas para piano n.os 30, 31 & 32, de Ludwig van Beethoven Redifusión viernes 4 | 21:40 Arg/Chi/Par/Uru | 24:00 Bol | 19:40 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 7 Nacida en Tbilisi, Georgia, en el seno de una familia rusa, Leonskaja fue considerada como una niña prodigio y dio sus primeros conciertos a los 11 años. Su talento excepcional pronto la llevó a estudiar en el Conservatorio de Moscú. Siendo estudiante, ganó premios en los prestigiosos concursos internacionales de piano Enescu, Marguerite Long y Queen Elizabeth. El desarrollo musical de Elisabeth Leonskaja fue moldeado o influenciado de manera decisiva por su colaboración con Sviatoslav Richter. El maestro reconoció su talento excepcional y fomentó su desarrollo no solo enseñando y aconsejándola, sino también invitándola a interpretar numerosos dúos con él. La asociación musical y la amistad personal entre Richter y Leonskaja perduraró hasta la muerte de Richter en el año
En 1978, Leonskaja abandonó la Unión Soviética e hizo su nuevo hogar en Viena. Su sensacional actuación en el Festival de Salzburgo en 1979 marcó el comienzo de su carrera cada vez más floreciente como concertista de piano en Occidente. Se ha subido al escenario con la mayor parte de las mejores orquestas y directores más reconocidos del planeta, prácticamente en los cinco continentes. Numerosas grabaciones dan testimonio de los logros artísticos sobresalientes de esta pianista, que ha sido galardonada con numerosos premios por ellas. En su hogar adoptivo, Austria, los logros sobresalientes de Leonskaja también han ganado su gran reconocimiento. Ella ha sido nombrada Miembro Honorario de los Konzerthaus de Viena. En 2006 recibió la Cruz de Honor de Austria, por sus servicios a la vida cultural del país, el premio más elevado de este tipo allí. Hoy en día, la «leona del teclado» ha madurado y se ha convertido en una pianista excepcional, que destaca por su virtuosismo y disfruta de las recepciones más calurosas donde quiera que vaya. Las 32 sonatas para piano de Beethoven forman parte de las obras más famosas del repertorio clásico. Hans von Bülow llegó incluso a firmar que «el Clave bien temperado de Bach es el Antiguo Testamento, mientras que las sonatas de Beethoven son el Nuevo». En este concierto se abordan las tres últimas sonatas de este monumento de la literatura pianística. Compuestas a lo largo de casi tres décadas, estas 32 sonatas pianísticas dibujan casi toda la vida creativa del compositor. Si bien no fueron concebidas como un corpus completo, hoy en día es normal presentarlas juntas en concierto. Actualmente conocidas como «las tres últimas sonatas», las n.os 30, 31 y 32 conforman un conjunto unificado y coherente que data de los años 1820-1822, última etapa compositiva de su autor. La Sonata para piano n.º 30 en mi mayor, Op. 109, es la primera de sus sonatas tardías. Al igual que las Opp. 110 y 111, presenta varias características notables, como la utilización de estructuras armónicas ricas, contrapuntos intrincados, la adherencia estricta a las formas clásicas y el desplazamiento del centro de gravedad de la obra hacia el último movimiento, en tiempo moderado y de mayor extensión que el resto. La Sonata para piano n.º 31 en la bemol mayor, Op. 110, es la sonata central del grupo, que se cierra con la Sonata para piano n.º 32 en do menor, Op. 111. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00653_Pianomania!Elisabeth_Leonskaja_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00653_Pianomania!_Elisabeth_Leonskaja_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00653_Pianomania!_Elisabeth_Leonskaja_3.jpg Concierto | Maestros del pianismo: Elisabeth Leonskaja Sonatas para piano n.os 30, 31 & 32, de Ludwig van Beethoven Redifusión viernes 4 | 21:40 Arg/Chi/Par/Uru | 24:00 Bol | 19:40 Col/Ecu Sinopsis: Ludwig van Beethoven: Sonata para piano n.º 30 en mi mayor, Op. 109; Sonata para piano n.º 31 en la bemol mayor, Op. 110; Sonata para piano n.º 32 en do menor, Op. 111. Elisabeth Leonskaja. Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa. 2018. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 8 Una de las sinfonías más reconocidas e interpretadas del genial compositor austríaco, en una versión monumental del legendario director italiano y la orquesta suiza. • Género: concierto, música clásica, música postromántica, orquestal. • Director: Claudio Abbado. • Orquesta: Orquesta del Festival de Lucerna. • Año: 2004. • Lugar: KKL, Lucerna. • Duración: 73 minutos. Para Gustav Mahler (1860-1911) la composición de una sinfonía podía asemejarse a un acto de creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y psicológico. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por Beethoven y pasando Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio Wagner. Todo ello puede percibirse de manera maravillosa en su prodigiosa Sinfonía n.º 5, que llega a sus hogares con la batuta de Claudio Abbado, uno de los grandes directores del siglo XX, al frente de la Orquesta del Festival de Lucerna, que él mismo refundó. Al igual que algunos de esos compositores, Mahler utilizó elementos y recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de instrumentos poco convencionales. El elemento coral –que introdujera Beethoven– no es ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la escritura contrapuntística, pues concebía la orquestación como un recurso para conseguir la mayor inteligibilidad de las líneas posible. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital, a partes iguales, está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el siglo Concierto | Sinfonía n.º 5, de Gustav Mahler Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado Estreno sábado 5 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 9 XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por separado –que también–, sino a su corpus sinfónico al completo, en la más brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz. La Sinfonía n.º 5 de Gustav Mahler fue compuesta en diversas etapas, viendo el nacimiento de los movimientos primero y tercero el verano de 1901, y los tres restantes – segundo, cuarto y quinto– en 1902. Además, sufrió diversas revisiones hasta 1909. La obra fue estrenada el 18 de octubre de 1904 en Köln, bajo la dirección del propio compositor. Esta sinfonía conforma, junto a la Sexta y Séptima, el ciclo comúnmente conocido como Rückert Symphonien, un grupo específicamente unitario de obras cuya característica principal se sustenta sobre el realismo. Se contrapone a las tres sinfonías anteriores, Wunderhorn Symphonien, un ciclo donde Mahler expone una verdadera confrontación entre el hombre y el universo. En este nuevo ciclo que se inicia con la Quinta, la lucha pasa a ser entre el hombre –encarnado en la propia figura de Mahler– y el resto de estos. Para muchos es obvio pensar que la presencia de Alma Schindler es clave en este cambio de reflexión y paradigma compositivo, ya que la obra fue compuesta en el momento en que Mahler y Alma se conocieron y contrajeron matrimonio. Esto parece explicar la presencia del célebre Adagietto dentro de una sinfonía inicialmente prevista en cuatro movimientos, y que se expande a través de este hermoso presente para su reciente esposa. El inicio de la composición de esta sinfonía marcó el comienzo de un nuevo capítulo en la obra de Mahler, y lo hace en todos sus aspectos: intelectual, musical, arquitectónico, armónico, textural…, que se desarrollan como elementos nuevos en su concepción hasta el momento. Apenas se tienen datos respecto a las experiencias que pudieran explicar esta nueva forma de expresarse, pues no existió ningún problema que durante ese período puedan explicar su nueva modalidad expresiva. Por tanto, al no haber existido factores internos o externos que amenazasen su manera de concebir la música, este cambio estilístico debe provenir totalmente de lo más profundo de su ser, de un cambio en su personalidad. La música de Mahler es la única guía que nos ilustra sobre el cambio que se produjo en el espíritu del compositor. Antes que eso la fuente de su inspiración había sido un concepto místico de la vida y la naturaleza. Su música había sido orientada a la solución de los problemas universales. El misterio de dar vida a lo inanimado a través de medios espirituales había sido el objeto de sus aspiraciones musicales. La Quinta es la primera de una trilogía de sinfonías puramente instrumentales. En ellas, el autor austríaco logra compensar la ausencia de voz humana con un nuevo acento en la polifonía orquestal. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00743_Sinfonia_5_de_Gustav_Mahler_Orquesta_Festival_de_Lucerna _Claudio_Abbado_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00743_Sinfonia_5_de_Gustav_Mahler_Orquesta_Festival_de_Lucerna _Claudio_Abbado_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00743_Sinfonia_5_de_Gustav_Mahler_Orquesta_Festival_de_Lucerna _Claudio_Abbado_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00743_Sinfonia_5_de_Gustav_Mahler_Orquesta_Festival_de_Lucerna _Claudio_Abbado_4.jpg Concierto | Sinfonía n.º 5, de Gustav Mahler Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado Estreno sábado 5 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol/Par | 19:00 Col/Ecu Sinopsis: Gustav Mahler: Sinfonía n.º 5. Orquesta del Festival de Lucerna | Claudio Abbado. Gewandhaus, Leipzig. KKL, Lucerna. 2004. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 10 La única ópera del magnífico compositor alemán, llega desde la ciudad suiza con una producción repleta de sorpresas e innovación. • Género: ópera, música clásica, música romántica, voz. • Intérpretes: Jacquelyn Wagner, Norbert Ernst, Roman Trekel, Wojtek Gierlach, Tatjana Schneider, Riccardo Botta, Martin Summer, Marc Haag, Frank Uhlig, Markus Büeler, Patrick Doba; Coro de la Ópera de St. Gallen; Peter Heilker [dirección de escena], Caroline Damaschke [dramaturgia], Nikolaus Webern [esconografía], Yan Tax [vestuario]. • Director: Otto Tausk. • Orquesta: Orquesta Sinfónica de St. Gallen. • Año: 2018. • Lugar: Teatro de St. Gallen. • Duración: 115 minutos. Fidelio o el amor conyugal [Fidelio oder die eheliche Liebe], ópera en dos actos con música de Ludwig van Beethoven (1770-1827) sobre libreto en alemán de Joseph F. Sonnleithner, a partir del texto original en francés de Jean-Nicolas Bouilly que se había usado para la ópera de 1798 Léonore, ou l’amour conjugal, de Pierre Gaveaux, y para la ópera de 1804 Leonor, de Ferdinando Paer –la que a buen seguro Beethoven conocía, pues poseía una copia de la partitura–. Es el único ejemplo completo que el genial compositor alemán legó a la historia del género operístico. Llega en esta producción del Teatro de St. Gallen, con un elenco encabezado por Jacquelyn Wagner junto a Norbert Ernst, Roman Trekel, Wojtek Gierlach, Tatjana Schneider, Riccardo Botta, Martin Summer, Marc Haag, Frank Uhlig, Markus Büeler y Patrick Doba. La escena corre a cargo de Peter Heilker y la dirección musical de Otto Tausk. Ciclo Beethoven 250.º aniversario Ópera | Fidelio Ópera en dos actos de Ludwig van Beethoven Redifusión domingo 6 | 17:00 Arg/Chi/Par/Uru | 16:00 Bol | 15:00 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 11 Antes que Beethoven otros músicos y libretistas afrontaron la historia de Leonora, hecho real ocurrido en los años que siguieron a la Revolución Francesa. Uno de ellos será Jean Nicolas Boully, quien construye una obra que más tarde será musicalizada por Pierre Gaveaux en 1798, llevando por título Leonore, ou l´amour conjugal. Más tarde el mismo tema será abordado por Ferdinando Paër, que estrenará en Dresden –un mes y medio antes de que lo haga Beethoven– una Leonora, ossia l´amore coniugale. Paralelamente, el mismo año [1805] también aparecerá la obra L´amore coniugale, de Johann Simon Mayr. Beethoven retomará este tema, pero a diferencia de los casos anteriores situará la acción en España con el fin de que las culpas no recayesen en los jacobinos, con los que de alguna manera sentía cierto aprecio, por lo que de revolución y cambio suponían sus posturas, más que sus métodos. Su primer estreno supuso un gran fracaso, por lo que el compositor volvió a revisar la obra y a introducir modificaciones en ella –fundamentalmente el cambio de oberturas y el añadido del tercer acto–. Así cuando se reestrena en su forma definitiva en 1814 alcanza un gran éxito. La obra se enmarca dentro de lo que se ha venido en llamar la segunda etapa del compositor [1802-1816], esto es, una etapa de transición en la que da por agotadas las viejas fórmulas del Clasicismo y se adentra en nuevas con el fin de poder dar a la música una expresión bien diferente. Estos sentimientos no solo aparecen por lo que al tema se refiere: Leonora es un prototipo de lucha por un ideal, algo así como una alegoría de la revolución y la libertad; si no también por los nuevos elementos musicales que utiliza en la obra, tales como la función importantísima del coro, circunstancia novedosa, o la gran instrumentación y orquestación de la misma, hasta tal punto que las tesituras de los personajes han de ser muy poderosas para poder elevarse sobre los instrumentos. Esto hace que necesariamente se abandonen las tradiciones belcantistas en aras de una mayor dramatización del personaje. El amor conyugal está estrechamente relacionado con el tema de la salvación. También a este respecto había surgido un nuevo género en los primeros años de la revolución, la conocida como «ópera revolucionaria o de rescate», que lleva a escena la liberación de un hombre −o, la mayoría de las veces, una mujer− inocente que se encontraba en el mayor peligro. Para la constelación de personajes de la ópera Fidelio estos dos aspectos llevan aparejada una doble consecuencia: por un lado, una relación triangular entre Leonore, Florestan y su adversario Pizarro; por otra, una especie de doble existencia en las zonas de tensión entre el mundo real y la ficción, por un lado, y entre privacidad y ámbito político público, por otro, que son las dos en que se mueve Leonore. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00691_Ludwig_van_Beethoven_Fidelio_from_St_Gallen_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00691_Ludwig_van_Beethoven_Fidelio_from_St_Gallen_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00691_Ludwig_van_Beethoven_Fidelio_from_St_Gallen_3.jpg Ópera | Fidelio Ópera en dos actos de Ludwig van Beethoven Redifusión domingo 6 |17:00 Arg/Chi/Par/Uru | 16:00 Bol | 15:00 Col/Ecu Sinopsis: J. Wagner, N. Ernst, R. Trekel, W. Gierlach, T. Schneider, R. Botta, M. Summer, M. Haag, F. Uhlig, M. Büeler, P. Doba; P. Halker [dir. escena]; Coro de Ópera de St. Gallen & Sinfónica de St. Gallen | O. Tausk. Teatro de St. Gallen. 2018. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 12 El Ballet Nacional Sodre interpreta estas microobras que son coreografiadas e interpretadas por bailarines de la compañía de baile estatal de Uruguay. • Género: ballet, música clásica, música barroca, música romántica, música contemporánea. • Intérpretes: Luiz Santiago, Alejandra Martínez, Paula Penachio, Ignacio Lombardo, Ciro Tamayo, Lara Delfino, Gabriela Flecha, Deise Mendonça [bailarines]; Alejandra Martínez, Luiz Santiago, Jules Perrot, Igor Yebra, Ignacio Lombardo, Rotislav Zakharov, Jorge Ferreira, Marius Petipa [coroegrafía]. • Año: 2020. • Lugar: Auditorio Nacional del Sodre, Montevideo. • Duración: 25 minutos. En Seguimos con vos, el Ballet Nacional del Sodre ofrece una serie de microcreaciones con la danza a solo como protagonista, en la que bailarines del ballet nacional uruguayo interpretan algunas creaciones, bien propias, bien de otros coreógrafos, con música de diversas épocas, intentando acercar el bello arte del ballet a todos los espectadores en tiempos tan difíciles de teatros vacíos. Las microobras presentadas son las siguientes: Intros [coreografía y bailarín: Luiz Santiago; música: Johann Sebastian Bach]; Bolero [coreografía y bailarina: Alejandra Martínez; música: Osvaldo Farrés]; Giselle [coreografía: Jules Perrot; adaptación: Igor Yerba; bailarina: Paula Penachio]; Díptico [coreografía y bailarín: Ignacio Lombardo; música: Franz Schubert]; Gopak [coreografía: Rotislav Zakharov; adaptación y bailarín: Ciro Tamayo]; Trena [coreografía: Jorge Ferreira; bailarinas: Lara Delfino y Gabriela Flecha; música: Antonio Vivaldi]; El cascanueces [coreografía: Marius Petipa; bailarina: Deise Mendonça; música: Piotr Ilich Tchaikovsky]. Ballet | Ballet Nacional del Sodre Seguimos con vos Estreno domingo 6 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 13 Desde su fundación el 27 de agosto de 1935, el Cuerpo de Baile del Sodre ha sido el organismo artístico público encargado de desarrollar el ballet clásico profesional en Uruguay. Se creó una compañía nacional que incluyera en su repertorio no solo el vasto espectro del ballet clásico, sino también que incorporara a los referentes y promoviera creaciones en el área de la danza contemporánea y moderna. Uruguay y especialmente Montevideo, fue durante la primera mitad del siglo XX, escala indiscutible de todas las grandes figuras y compañías, que llegaban al continente desde los grandes centros de producción en materia de danza: Europa, Rusia y Estados Unidos. Existía un público ávido y exigente. No era del todo imaginable que una compañía profesional nacional pudiera surgir en ese Uruguay tan afecto y receptivo a las grandes corrientes internacionales, ya fuera en danza, teatro, literatura, filosofía. Sin embargo, el gobierno, en ese país pujante y dinámico de mediados de los años treinta, decide hacerse cargo de la conformación de una compañía estable de danza clásica, el 27 de agosto de 1935, colocándola bajo la égida del Sodre y recayendo su primera dirección artística en el Mtro. Alberto Pouyanne, quien logra llevar a escena su primer espectáculo el 23 de noviembre de 1935: Nocturno Nativo, sobre música de Vicente Ascone e inspirado en elementos del folclore nativo. Desde junio de 2010 hasta diciembre de 2017, bajo la dirección artística del reconocido Mtro. Julio Bocca, la compañía, ahora denominada Ballet Nacional del Sodre [BNS], sufre la mayor transformación de toda su historia. Un nuevo equipo se hace cargo de la gestión y se refunda la compañía, abriéndose una nueva etapa que llega hasta nuestros días. La incorporación de Bocca como director artístico provocó un profundo y dinámico proceso de refundación del elenco nacional, abriendo sus puertas a la región y al mundo tanto en la integración de sus componentes como en la elección de los maestros, coreógrafos y bailarines invitados, reiniciando una paulatina y segura incorporación de la compañía en un sendero de excelencia ya acorde a estos tiempos y en un nivel internacional. Se dio comienzo a una gestión moderna y dinámica de una compañía que retomó una antigua tradición de vincular su trabajo al de importantes figuras del mundo de la danza, elevando así la exigencia, la excelencia y el desafío para tornar esta disciplina artística, cada día más accesible a mayores y más heterogéneos auditorios, ávidos de reencontrarse con el placer de poder presenciar y apreciar un excelente espectáculo de gran porte como es el ballet. A partir de febrero de 2018, el Maestro Igor Yebra asume la dirección artística con el claro objetivo de continuar por esa senda ascendente… Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00835_Ballet_Nacional_del_Sodre_seguimos_con_vos_1.png www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00835_Ballet_Nacional_del_Sodre_seguimos_con_vos_2.png www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00835_Ballet_Nacional_del_Sodre_seguimos_con_vos_3.png www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00835_Ballet_Nacional_del_Sodre_seguimos_con_vos_4.png www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00835_Ballet_Nacional_del_Sodre_seguimos_con_vos_5.png Ballet | Ballet Nacional del Sodre Seguimos con vos Estreno domingo 6 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu Sinopsis: Coreografías: A. Martínez, L. Santiago, J. Perrot, I. Yebra, I. Lombardo, R. Zakharov, J. Ferreira, M. Petipa. Música: J.S. Bach, A. Vivaldi, F. Schubert, P.I. Tchaikovsky. Ballet Nacional del Sodre. Auditorio Nacional del Sodre. 2020. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 14 El director de orquesta nipón más conocido del mundo se une a sus colegas de la orquesta japonesa para interpretar dos de las grandes sinfonías del genio de Bonn • Género: concierto, música clásica, música romántica, orquesta. • Director: Seiji Ozawa. • Orquesta: Orquesta Saito Kinen. • Año: 2015 [Sinfonía n.º 2] & 2016 [Sinfonía n.º 7]. • Lugar: Kisei Bunka Hall, Matsumoto. • Duración: 83 minutos. En septiembre de 2016, el director japonés Seizi Ozawa celebraba sus 81 años con varios conciertos en los que interpretaba algunas obras de Ludwig van Beethoven (1770- 1827). En este concierto, que recoge momentos de dos programas ofrecidos en el Festival Matsumoto de Saito Kinen, en 2015 y 2016, se interpretan dos de las obras sinfónicas del compositor menos interpretadas: la Sinfonía n.º 2 y la Sinfonía n.º 7. Reconocido por su defensa de los compositores contemporáneos, Ozawa fundó el Festival Matsumoto de Saito Kinen en 1992, que a partir de 2015 pasó a conocerse como Festival Seiji Ozawa de Matsumoto. Ozawa apareció en el escenario con 63 miembros de la Orquesta Saito Kinen para dirigir apasionadamente dos de las grandes sinfonías del genial compositor alemán. El maestro nipón, que ha destacado en la dirección de un repertorio muy amplio, posee un estilo de dirección heterodoxo, destacando como un director hábil, de gran ingenio y con un profundo conocimiento de las estructuras de las obras a ejecutar. Cuanto más Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven Concierto | Seiji Ozawa & Orquesta Saito Kinen en el Matsumoto Festival Sinfonías n.os 2 & 7, de Ludwig van Beethoven Redifusión viernes 11 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 15 grandes e imponentes son las masas sonoras y los intérpretes empleados para su ejecución, más parece estar Ozawa en su elemento. Ozawa suele organizar con incansable agilidad acontecimientos sonoros excesivos, subrayando con gestos vivos los impulsos dramáticos de esas piezas. Su estilo presenta una gran perspicacia y una especie de sexto sentido que le hacen encontrar los más nimios detalles. La Sinfonía n.º 2 en re mayor, Op. 36 data de 1802, poco más de año después desde la composición de la primera, lo que es poco tiempo si tenemos en cuenta lo que tardó en componer la obra que inauguró su catálogo sinfónico. Ese año es importante en la vida de Beethoven por circunstancias trágicas: su sordera comienza a mostrarse de manera cruda, lo que afecta poderosamente a su estado anímico, llevándole a escribir su célebre Testamento de Heiligenstadt el 6 de octubre. Sin embargo, en sus sinfonías todavía queda espacio para la alegría, la energía y la aparente luz vital, sentimientos absolutamente antagónicos a los que aparecen en ese texto. En esta sinfonía todavía mantiene algunas decisiones que la llevan a resultar en cierta medida innovadora. La instrumentación sigue el modelo de las orquestas de Haydn y Mozart, y la plantilla utilizada es la misma de la Primera sinfonía, destacándose como en ella el uso de dos clarinetes. Es una obra considerablemente más larga que la anterior, compuesta en los habituales cuatro movimientos, siendo estrenada en el Theater an der Wien en Viena el 5 de abril de 1803, bajo su dirección. La Sinfonía n.º 7 en la mayor, op. 92 fue compuesta en 1811 y está dedicada al conde Moritz von Fries. Se estrenó en Viena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la Batalla de Hanau que fue dirigido por el propio autor. La orquesta estaba repleta de grandes músicos de la talla de Spohr, Meyerbeer, Giuliani, Hummel, Moscheles, Dragonetti, Romberg y Salieri. Consta de cuatro movimientos y una plantilla orquestal habitual conformada por la cuerda, maderas y viento metal a dos. El propio Spohr cuenta en su autobiografía que para el estreno de la obra el maestro de Bonn estaba tan sordo que no era capaz de percibir los pasajes piano de su propia obra. Durante el Allegro en uno de estos pasajes el maestro no percibía lo que sonaba y durante un rato la orquesta iba por un lado y él por otro, de tal forma que cuando en un pasaje llegaba la presencia de un forte, Beethoven, que iba contando para su interior al no escuchar la orquesta, marcó de manera contundente el matiz, pero no ocurrió nada. Cuando pasaron unos compases y la orquesta atacó el forte en el punto conveniente, Beethoven pudo por fin escuchar algo y salir de su error. A pesar de todo el estreno obtuvo un gran éxito. Hacía cinco años que Beethoven no presentaba al público una nueva sinfonía y por esto fue recibida con gran entusiasmo, de tal forma que se Allegretto tuvo que ser repetido ante la insistencia del público. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00650_Seiji_Ozawa_at_the_Matsumoto Festival_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00650_Seiji_Ozawa_at_the_Matsumoto_ Festival_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00650_Seiji_Ozawa_at_the_Matsumoto_ Festival_3.jpg Concierto | Seiji Ozawa & Orquesta Saito Kinen en el Matsumoto Festival Sinfonías n.os 2 & 7, de Ludwig van Beethoven Redifusión viernes 11 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu Sinopsis: Ludwig van Beethoven: Sinfonía n.º 2 en re mayor, Op. 36 y Sinfonía n.º 7 en la mayor, Op. 92. Orquesta Saito Kinen | Seiji Ozawa. Kisei Bunka Hall, Matsumoto. 2015 & 2016. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 16 Uno de los mejores conciertos para violín de la historia, en la versión del excepcional violinista holandés, junto a la gran orquesta alemana y la batuta del italiano. • Género: concierto, música clásica, música romántica, violín. • Intérpretes: Nikolaj Znaider [violín]. • Director: Riccardo Chailly. • Orquesta: Orquesta del Gewandhaus de Leipzig. • Año: 2014. • Lugar: Gewandhaus, Leipzig. • Duración: 45 minutos. Del genial compositor alemán Ludwig van Beethoven (1770-1827), que destacó entre sus coetáneos por desarrollar un nuevo estilo compositivo que sentaría las bases del nuevo Romanticismo musical, se ofrece aquí su único ejemplo dentro del género concertístico para violín. No fue este un género en el que Beethoven destacara especialmente, pues además de los cinco ejemplos que se conservan para piano y el excepcional Triple concierto para violín, violonchelo y piano, tan solo este Concierto para violín en en re mayor se eleva, junto a la Romanza para violín y orquesta en fa mayor, se presentan como sus únicos ejemplos que tienen a un solo instrumento como solista más allá del piano, un instrumento en el que sentía más cómodo, por ser el que él mismo tocaba. Llega aquí interpretado por uno de los violinistas de mayor proyección en los últimos años, el holandés Nikolaj Znaider, quien está acompañando por una de las mejores batutas de las Ciclo Grandes maestros & intérpretes: Beethoven Concierto | Concierto para violín de Ludwig van Beethoven Nikolaj Znaider, Orquesta de la Gewandhaus & Riccardo Chailly Redifusión viernes 11 | 22:30 Arg/Chi/Par/Uru | 21:30 Bol | 20:30 Col/Ecu Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020 www.allegrohd.com 17 últimas décadas, el italiano Ricardo Chailly, quien dirige la que fue su orquesta durante los años 2005 a 2016, y una de las mejores orquestas alemanas de cuantas existen: la de la Gewandhaus de Leipzig. Su Concierto para violín en re mayor, Op. 61, fue compuesto en 1806 y es el único concierto del compositor para este instrumento admitido como propio. Es una importante obra del repertorio violinístico, muy interpretada desde entonces, que demuestra su inmensa capacidad creadora para el universo violinístico. Existe además una adaptación para piano y orquesta del mismo, que fue creada por el mismo Beethoven, catalogada actualmente Op. 61a. Se estrenó el 23 de diciembre de 1806 en el Theater an der Wien, en interpretación de Franz Clement, destacado violinista del momento para el que Beethoven lo había compuesto. La leyenda dicta que el autor alemán concluyó la parte solística tan tarde que Clement tuvo que leer a primera vista algunos de los pasajes en su estreno. Clement interrumpió el concierto entre el primer y el segundo movimiento para interpretar una composición propia, no sabemos si para mostrar su descontento o para hacer ver que era un mejor intérprete de lo que las condiciones les obligaron a hacer. La obra no tuvo buena recepción por parte de los espectadores, y el concierto fue ejecutado pocas veces durante las décadas siguientes. La obra fue resucitada hacia 1844, 17 años después de la muerte de Beethoven, interpretada por Joseph Joachim y con la dirección orquestal de Felix Mendelssohn. Musculoso pero elegante, elocuente y carismático: términos que fluyen de los textos de los críticos cuando se refieren a Nikolaj Znaider. El artista danés interpreta al más alto nivel, tanto como director de orquesta como violín solista, junto a las orquestas más distinguidas. Desde 2010, es principal director invitado de la Orquesta Mariinksy de San Petersburgo y, previamente, lo fue de la Svenska Kammarorkestern. Tras el rotundo éxito en su regreso al Festival de Tanglewood con la Boston Symphony Orchestra y Juanjo Mena, Znaider realizó durante las últimas temporadas con su proyecto discográfico dedicado a Mozart junto a la London Symphony Orchestra, dirigidos desde el violín. Znaider mantiene una estrecha relación con la LSO, una orquesta que dirige y en la que toca como solista cada temporada. El mismo Znaider habla de la popular obra de Beethoven como «la biblia en el repertorio de conciertos de un violinista». Por su parte, Riccardo Chailly, se conviritó a la edad de 20 años en director asistente de Claudio Abbado en La Scala de Milano. Hizo su debut en la ópera allí en 1978 y pronto tuvo una gran demanda en los teatros de ópera y salas de conciertos más importantes del mundo. Ha sido uno de los grandes directores desde la década de los 80, desarrollando una poderosa carrera que le ha llevado al frente de varias de las mejores orquestas e instituciones musicales por importantes del mundo: Sinfónica de la Radio de Berlín, Teatro Comunale di Bologna, Orquesta del Real Concertgebouw de Ámsterdam, Orchestra Sinfonica di Milano «Giuseppe Verdi», Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, Ópera de Leipzig y Orquesta del Teatro alla Scala, entre otras. Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00580_Beethoven_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00580_Beethoven_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00580_Beethoven_3.jpg Concierto | Concierto para violín de Ludwig van Beethoven Nikolaj Znaider, Orquesta de la Gewandhaus & Riccardo Chailly Redifusión viernes 11 | 22:30 Arg/Chi/Par/Uru | 21:30 Bol | 20:30 Col/Ecu Sinopsis: Ludwig van Beethoven: Concierto para violín en re mayor, Op. 61. Nikolaj Znaider & Orquesta del Gewandhaus de Leipzig | Riccardo Chailly. Gewandhaus, Leipzig. 2014. Allegro HD – Destacados de programación – diciembre 2020
Dos de las figuras japonesas más importantes de las últimas décadas entretejen sus lenguajes en una conversación que llevan a cabo desde 2009 y que ahora ve la luz en el libro ‘Música, solo música’
Seiji Ozawa dirigiendo la Saito Kinen Orchestra, en 2010. A la derecha, Haruki Murakami, en Barcelona.H. ITO / CARLES RIBAS
Tiempo para recordar los ecos de sus comienzos: el impacto cultural temprano de ambos entre su pasión por una forma de expresión artística occidental apreciada como en pocos lugares desde la otra orilla del puente, allá, en Japón. La relación con los dos principales maestros de Ozawa —Karajan y Bernstein, el yin y el yan en la dirección de orquesta mundial—, su análisis penetrante de las partituras, la consecuencia de aprendérselas e integrarlas en el cuerpo y la memoria como resultado del trabajo, no como fin. La pasión por diversos compositores con Mahler, como rey de la luz y de las sombras. La ópera o sencillamente el contraste cultural que para un japonés supone recibir abucheos en Italia.
Lo último ocurrió en la Scala de Milán, con una Tosca de Puccini que contaba con Luciano Pavarotti en el reparto durante la temporada de 1980. Karajan le había advertido de que no aceptara el reto: “Te van a matar”. Conocía el ceño fruncido de la bancada radical milanesa, poco dispuesta a escuchar la música de uno de los suyos en manos de un oriental. Durante tres días seguidos le pitaron. Al cuarto, no. Resistió, quizás, gracias al consuelo de Pavarotti: “Seiji, si te abuchean es porque has alcanzado la cumbre”. O puede que por el efecto de la comida que le preparaba su madre. Ella lo acompañó en el viaje y se mostró tan confusa que pensó que los gritos en su contra eran bravos. A la mujer no le hubiera entrado en la cabeza una falta de respeto semejante. En cualquier caso, tal como Ozawa confiesa a Murakami: “Fue la experiencia más horrible de mi vida”.
Nada que ver con su camino de iniciación hacia Mahler. Gracias tanto a Karajan como a Bernstein, pero por razones completamente contrarias. El director neoyorquino adoraba al compositor: de hecho, su redescubrimiento a nivel mundial 50 años después de su muerte, se debe, sobre todo, a él. El austriaco, en cambio, lo despreciaba. No tenía ningún interés en dirigir sinfonías de Mahler. Si acaso, algún ciclo de sus canciones de vez en cuando. Por eso, cuando alguien se lo proponía se las pasaba a su asistente japonés, el propio Seiji Ozawa.
Jesus Ruiz Mantillan comenta en El Pais de Madrid, que Beethoven fue motivo de su primer encuentro. Pero Gustav Mahler ocupa la mayor parte de Música, solo música (Tusquets), el libro que recoge la extensa y por ahora inconclusa conversación que durante años han mantenido el escritor Haruki Murakami y el director de orquesta Seiji Ozawa. El autor acudía a sus conciertos cuando vivía en Boston en los años ochenta. Pero entonces nunca abordaron el asunto que apasionaba a los dos. Fue en 2009, después de que a Ozawa le diagnosticaran un cáncer de esófago, cuando comenzaron a engarzar esos diálogos sin fin. “Tenía mucho tiempo libre”, comenta Ozawa en el libro.
Bernstein sentía por Mahler, según Ozawa, una triple identificación: como director de orquesta, como compositor y como judío. Pero si el empeño del estadounidense en resucitarlo se ha consolidado ya en todo el mundo hasta convertirse en el creador más interpretado es, cree Ozawa, porque a los músicos les apasiona tocarlo. Para ellos se convierte en un reto que les coloca en otra dimensión.
Conexiones que calan en ambos sentidos. La literatura de Murakami cree en el ritmo, como explica el propio escritor. Ozawa no tenía ni idea de que un texto literario pudiera contener esos ingredientes simplemente adaptándolos del lenguaje musical. “Yo escribo como si compusiera”, dice Murakami. Y escuchar música de la mañana a la noche, como asegura que hace el autor de Tokio Blues, “agudiza el oído para las palabras”.Bernstein sentía por Mahler, según Ozawa, una triple identificación: como director de orquesta, como compositor y como judío
Los dos caminos, los dos lenguajes se entretejen en esta fascinante conversación entre dos de las figuras japonesas más importantes de las últimas décadas. Junto a Mahler y Beethoven, del mundo del piano y el sinfonismo a la ópera, pocas cosas se dejan sobre el tintero. Los creadores y los intérpretes. La importancia que para que los primeros no caigan en el olvido tienen los segundos al reivindicarlos.
También la mística de pianistas como Mitsuko Uchida o Martha Argerich, la naturalidad de Rubinstein frente a la rareza maniática pero esencial de Krystian Zimerman. También la indómita informalidad de directores heterodoxos como Carlos Kleiber, la radical espontaneidad de Bernstein y el sentido de superioridad germánica de Karl Böhm o Karajan, tan conocido al detalle por Ozawa y espoleado en su incesante curiosidad, desde el otro lado, por el escritor.https://open.spotify.com/embed/playlist/3e3OWs7wVx3ZyKnwKr74LS?si=D3EU9jeuShquY5z-7n1GMA
My opera Player se une a Opera Europa en la conmemoración del gran día de la lírica,el domingo 25 de octubre
My Opera Player, del Teatro Real, ofrecerá en abierto para todo el mundo las óperas Capriccio de Richard Strauss, el viernes 23, y Aida, de Giuseppe Verdi, el sábado 24
Entre los eventos programados tendrá lugar la entrega virtual de los Premios Opera XXI, a las 19.00 horas, que este año celebran su segunda edición, y cuya ceremonia podrá seguirse en My Opera Player
Los galardones cuentan con destacada presencia del Teatro Real representado por Christof Loy, Premio a la Mejor Dirección de Escena por Capriccio, y Nicola Luisotti, Mejor Dirección Musical, por Turandot
Opera Europa ofrecerá retransmisiones en directo desde los cinco continentes en los teatros más importantes del mundo y con conocidas voces del mundo de la lírica que pondrán su arte en una jornada marcada por el difícil reto impuesto por la pandemia
Madrid, 21 de octubre de 2020.- El próximo domingo, 25 de octubre, se celebra la segunda edición del Día Mundial de la Ópera, una conmemoración que busca promover el valor cultural de este género, rendir homenaje a los creadores e intérpretes y destacar su importancia como sector de especial relevancia en la economía.
La iniciativa, creada e impulsada por el Teatro Real con el apoyo de Ópera América, Ópera Latinoamérica y Ópera Europa, cuenta con el respaldo de importantes instituciones como Ópera Canadá; Réunion des Opéras de France (Francia); Ópera XXI (España); Opera & Music Theatre Forum (Reino Unido); el Instituto Internacional del Teatro (ITI) y los Centros Nacionales para las Artes Escénicas en China e India.
Este año, marcado por las restricciones y la especial situación creada por la pandemia, las celebraciones tendrán su epicentro en Opera Vision, plataforma audiovisual de Opera Europa, que incluirá retransmisiones en directo desde los cinco continentes comenzando a las 7 de la mañana en Tokio y para recorrer después Moscú, Londres o Nueva York.
A través de My Opera Player, el Teatro Real se adelantará dos días a la fecha oficial para ofrecer en abierto, durante todo el viernes 23 de octubre, uno de los grandes títulos de la temporada 18/19, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con dirección musical de Asher Fisch y una brillante producción concebida por Christof Loy, ganadora del premio a la mejor Dirección de Escena Opera XXI.
El sábado 24 el escenario de My Opera Player pondrá a disposición de los usuarios, también de forma gratuita, Aida, de Giuseppe Verdi, en la monumental producción de Hugo de Ana bajo la batuta de Nicola Luissotti, principal director musical invitado del Teatro Real y Premio al Mejor Director Musical Opera XXI por Turandot en el Teatro Real.
Tanto Christof Loy, que se encuentra actualmente preparando una nueva producción de Rusalka para el coliseo madrileño, como Nicola Luisotti, responsable de la dirección musical de la ópera Un ballo in maschera que inauguraba la actual temporada del Teatro Real, participarán de la virtual entrega de la segunda edición de los Premios Opera XXI, que tendrá lugar en domingo 25 que podrá seguirse en streaming en My Opera Player y en la plataforma Operavision a las 19.0 horas.
La ceremonia virtual, conducida por Daniel Bianco, director del Teatro de La Zarzuela, y por la directora de escena Bárbara Lluch, contará con la actuación de dos de las artistas premiadas, Sondra Radvanovsky y Leonor Bonilla, y del pianista Rubén Fernández Aguirre. A ellos se unirán las palabras del Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, y del presidente de la asociación, Oriol Aguilà, director del Festival Internacional Castell de Peralada. El acto contará también con las intervenciones de grandes cantantes españoles como Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, Ruth Iniesta, Saioa Hernández, Ismael Jordi, Xavier Sabata, Jorge de León, Nancy Fabiola Herrera y Sabina Puértolas.
Adjuntamos información ampliada de los Premios Ópera XXI y de las fichas artísticas de Capriccio y Aida del Teatro Real
PALMARÉS OPERA XXI
Sondra Radvanovsky, Premio a la Mejor Cantante, por su interpretación protagonista en Luisa Miller de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu en julio de 2019, así como por el recital-homenaje a Montserrat Caballé en el Festival Castell de Peralada.
Leonor Bonilla, Premio a la Mejor Joven Cantante, por Lucia di Lamermoor en el Maestranza, Il viaggio a Reims en la Ópera de Tenerife, Orfeo y Euridice en el Teatro Villamarta y Capriccio en el Teatro Real.
Nicola Luisotti, Premio al Mejor Director Musical por Turandot en el Teatro Real.
Cristof Loy, Premio al Mejor Director de Escena por Capriccio en el Teatro Real de Madrid.
Teatro de la Zarzuela, Premio a la Mejor Nueva Producción por la ópera española La casa de Bernarda Alba.
Òpera de Butxaca i Nova Creació (OBNC), Premio Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica.
Gran Teatro de Lima, Mejor Nueva Producción Latinoamericana, por Alzira, de Verdi.
Premios Honoríficos, designados en Asamblea por todos los miembros Ópera XXI
Fundación La Caixa, Mejor Iniciativa de Mecenazgo.
José Antonio Campos Borrego, Premio Honorífico a la Persona.
Amigos Canarios de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Premio a la Institución Cultural.
CAPRICCIO, viernes 23 de octubre
El 27 de mayo de 2019 el Teatro Real presentaba, por primera vez en su escenario, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con la reafirmaba su proyecto de ampliación de repertorio a través de una obra maestra, cuya composición y contenido argumental trascienden el valor artístico para invitar al eterno debate en torno a la ópera: ¿qué es más importante, la palabra o la música?
El director de escena alemán Christof Loy, gran conocedor de la obra de Strauss, abordaba por primera vez la interpretación de esta compleja obra en la que, sin restar protagonismo al tema central, descubría las múltiples capas que perfilan los secretos que se esconden en el alma de cada protagonista, las inquietudes y motivaciones del ser humano derivadas de sus emociones ante la percepción de la belleza.
El director musical Asher Fisch, experta batuta en la música de Strauss, estaba al frente de un reparto que contó en los papeles principales con las voces de la soprano Malin Byström (Condesa Madeleine), el barítono Josef Wagner (Conde), el tenor Norman Reinhardt (Flamand), el barítono André Schuen (Olivier) y el bajo Christof Fischesser (La Roche), entre otros, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.
AIDA, sábado 24 de octubre
Con casi 300 artistas ─entre solistas, coro, bailarines, actores y orquesta─ y una escenografía ya histórica, Aida regresaba al Teatro Real el 7 de marzo de 2018, con la gran producción concebida por Hugo de Ana para la inauguración de la segunda temporada del ‘nuevo’ Teatro Real, en octubre de 1998, que desvelaba al público las enormes dimensiones y las excepcionales capacidades técnicas de su flamante escenario.
Hugo de Ana opta por una producción de fuerte poder simbólico, dominada por una colosal pirámide que sugiere la magnificencia del poder político y religioso, contrapuesta a paisajes desérticos que enfatizan la profunda soledad de los personajes, que se debaten entre sentimientos, dudas y contradicciones.
La dirección musical contó con uno de los grandes expertos verdianos, el maestro Nicola Luisotti, principal director musical invitado del Teatro Real, quien, al frente de Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real tuvo a su cargo un brillante reparto encabezado por Liudmyla Monastyrska en el rol titular; Violeta Urmana, como Amneris; Gregory Kunde, en la piel de Radames; y George Gagnidze, como Amonasro, junto al resto del elenco.
Madrid, 21 de octubre de 2020.- El próximo domingo, 25 de octubre, se celebra la segunda edición del Día Mundial de la Ópera, una conmemoración que busca promover el valor cultural de este género, rendir homenaje a los creadores e intérpretes y destacar su importancia como sector de especial relevancia en la economía.
La iniciativa, creada e impulsada por el Teatro Real con el apoyo de Ópera América, Ópera Latinoamérica y Ópera Europa, cuenta con el respaldo de importantes instituciones como Ópera Canadá; Réunion des Opéras de France (Francia); Ópera XXI (España); Opera & Music Theatre Forum (Reino Unido); el Instituto Internacional del Teatro (ITI) y los Centros Nacionales para las Artes Escénicas en China e India.
Este año, marcado por las restricciones y la especial situación creada por la pandemia, las celebraciones tendrán su epicentro en Opera Vision, plataforma audiovisual de Opera Europa, que incluirá retransmisiones en directo desde los cinco continentes comenzando a las 7 de la mañana en Tokio y para recorrer después Moscú, Londres o Nueva York.
A través de My Opera Player, el Teatro Real se adelantará dos días a la fecha oficial para ofrecer en abierto, durante todo el viernes 23 de octubre, uno de los grandes títulos de la temporada 18/19, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con dirección musical de Asher Fisch y una brillante producción concebida por Christof Loy, ganadora del premio a la mejor Dirección de Escena Opera XXI.
El sábado 24 el escenario de My Opera Player pondrá a disposición de los usuarios, también de forma gratuita, Aida, de Giuseppe Verdi, en la monumental producción de Hugo de Ana bajo la batuta de Nicola Luissotti, principal director musical invitado del Teatro Real y Premio al Mejor Director Musical Opera XXI por Turandot en el Teatro Real.
Tanto Christof Loy, que se encuentra actualmente preparando una nueva producción de Rusalka para el coliseo madrileño, como Nicola Luisotti, responsable de la dirección musical de la ópera Un ballo in maschera que inauguraba la actual temporada del Teatro Real, participarán de la virtual entrega de la segunda edición de los Premios Opera XXI, que tendrá lugar en domingo 25 que podrá seguirse en streaming en My Opera Player y en la plataforma Operavision a las 19.0 horas.
La ceremonia virtual, conducida por Daniel Bianco, director del Teatro de La Zarzuela, y por la directora de escena Bárbara Lluch, contará con la actuación de dos de las artistas premiadas, Sondra Radvanovsky y Leonor Bonilla, y del pianista Rubén Fernández Aguirre. A ellos se unirán las palabras del Ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, y del presidente de la asociación, Oriol Aguilà, director del Festival Internacional Castell de Peralada. El acto contará también con las intervenciones de grandes cantantes españoles como Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, Ruth Iniesta, Saioa Hernández, Ismael Jordi, Xavier Sabata, Jorge de León, Nancy Fabiola Herrera y Sabina Puértolas.
Adjuntamos información ampliada de los Premios Ópera XXI y de las fichas artísticas de Capriccio y Aida del Teatro Real
PALMARÉS OPERA XXI
Sondra Radvanovsky, Premio a la Mejor Cantante, por su interpretación protagonista en Luisa Miller de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu en julio de 2019, así como por el recital-homenaje a Montserrat Caballé en el Festival Castell de Peralada.
Leonor Bonilla, Premio a la Mejor Joven Cantante, por Lucia di Lamermoor en el Maestranza, Il viaggio a Reims en la Ópera de Tenerife, Orfeo y Euridice en el Teatro Villamarta y Capriccio en el Teatro Real.
Nicola Luisotti, Premio al Mejor Director Musical por Turandot en el Teatro Real.
Cristof Loy, Premio al Mejor Director de Escena por Capriccio en el Teatro Real de Madrid.
Teatro de la Zarzuela, Premio a la Mejor Nueva Producción por la ópera española La casa de Bernarda Alba.
Òpera de Butxaca i Nova Creació (OBNC), Premio Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica.
Gran Teatro de Lima, Mejor Nueva Producción Latinoamericana, por Alzira, de Verdi.
Premios Honoríficos, designados en Asamblea por todos los miembros Ópera XXI
Fundación La Caixa, Mejor Iniciativa de Mecenazgo.
José Antonio Campos Borrego, Premio Honorífico a la Persona.
Amigos Canarios de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, Premio a la Institución Cultural.
CAPRICCIO, viernes 23 de octubre
El 27 de mayo de 2019 el Teatro Real presentaba, por primera vez en su escenario, Capriccio, última ópera de Richard Strauss, con la reafirmaba su proyecto de ampliación de repertorio a través de una obra maestra, cuya composición y contenido argumental trascienden el valor artístico para invitar al eterno debate en torno a la ópera: ¿qué es más importante, la palabra o la música?
El director de escena alemán Christof Loy, gran conocedor de la obra de Strauss, abordaba por primera vez la interpretación de esta compleja obra en la que, sin restar protagonismo al tema central, descubría las múltiples capas que perfilan los secretos que se esconden en el alma de cada protagonista, las inquietudes y motivaciones del ser humano derivadas de sus emociones ante la percepción de la belleza.
El director musical Asher Fisch, experta batuta en la música de Strauss, estaba al frente de un reparto que contó en los papeles principales con las voces de la soprano Malin Byström (Condesa Madeleine), el barítono Josef Wagner (Conde), el tenor Norman Reinhardt (Flamand), el barítono André Schuen (Olivier) y el bajo Christof Fischesser (La Roche), entre otros, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.
AIDA, sábado 24 de octubre
Con casi 300 artistas ─entre solistas, coro, bailarines, actores y orquesta─ y una escenografía ya histórica, Aida regresaba al Teatro Real el 7 de marzo de 2018, con la gran producción concebida por Hugo de Ana para la inauguración de la segunda temporada del ‘nuevo’ Teatro Real, en octubre de 1998, que desvelaba al público las enormes dimensiones y las excepcionales capacidades técnicas de su flamante escenario.
Hugo de Ana opta por una producción de fuerte poder simbólico, dominada por una colosal pirámide que sugiere la magnificencia del poder político y religioso, contrapuesta a paisajes desérticos que enfatizan la profunda soledad de los personajes, que se debaten entre sentimientos, dudas y contradicciones.
La dirección musical contó con uno de los grandes expertos verdianos, el maestro Nicola Luisotti, principal director musical invitado del Teatro Real, quien, al frente de Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real tuvo a su cargo un brillante reparto encabezado por Liudmyla Monastyrska en el rol titular; Violeta Urmana, como Amneris; Gregory Kunde, en la piel de Radames; y George Gagnidze, como Amonasro, junto al resto del elenco.
El Foro de Beijing para las Artes Escénicas conecta a 40 instituciones internacionales y más de 50 agrupaciones locales de China con el fin de consolidar una alianza para promover las artes escénicas en el mundo. Consolidando su fuerte presencia a nivel mundial el Teatro Colón, a través de su Directora General María Victoria Alcaraz, asume la vicepresidencia junto al Covent Garden de Londres y el Stiftung Oper de Berlín.
Los días 9 y 10 de septiembre, se llevó a cabo la Reunión Inaugural online del Foro de Beijing para las Artes Escénicas, en la cual se nombró al Teatro Colón mediante su Directora General, María Victoria Alcaraz, en la vicepresidencia del mismo junto a Georg Vierthaler, Director General de la Stiftung Oper en Berlín y Alex Beard, Director Ejecutivo de la Royal Opera House (Covent Garden) de Londres. Más de 200 representantes de instituciones de artes escénicas de 27 países y regiones de seis continentes se reunieron por iniciativa del Gran Teatro Nacional de China (NCPA) para debatir el futuro de la industria frente al actual desafío global.
La ceremonia de apertura, que se transmitió en vivo por una veintena de plataformas online, alcanzó más de 20 millones de visualizaciones. En su exposición, la Directora General María Victoria Alcaraz expresó: “Desde el extremo sur de América es un honor poder contribuir junto a estos prestigiosos teatros líricos del mundo a esta experiencia maravillosa y desafiante que lidera el gran Teatro Nacional de China”.
El Foro de Beijing para las Artes Escénicas es una alianza voluntaria de cooperación no gubernamental, sin fines de lucro. Entre las instituciones que participaron se encuentran entre ellas el Teatro Colón, Opera Australia, el Teatro Nacional de China, el Stiftung Ópera de Berlín, el Royal Opera House de Muscat, el Teatro Real de Madrid, el Royal Opera House de Londres, el Metropolitan Opera House de Nueva York, el Carnegie Hall, la Ópera del Cairo, la Ópera de Israel, la Opera de Roma, el Teatro Regio de Parma, la Ópera Nacional Polaca, Nuevo Teatro Nacional de Tokyo y el John F. Kennedy Center for the Performing Arts son algunas de las instituciones internacionales que estuvieron presentes entre otras.
